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Esenciales del rock argentino

«Despiértate nena»

Editada como lado B del simple «Post-crucifixión», en 1973, y luego agregada como bonus track en el disco «Desatormentándonos»: Pescado Rabioso, «Despiértate nena».

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Editada como lado B del simple «Post-crucifixión», en 1973, y luego agregada como bonus track en el disco «Desatormentándonos»: Pescado Rabioso, «Despiértate nena».

Buenos Aires, octubre de 1971

La música de Almendra ya no representa el momento musical de Luis Alberto Spinetta. Siente que sus compañeros no interpretan lo que él necesita expresar y componer. Está fascinado por la fuerza del rock en las guitarras de Pappo y Claudio Gabis, y necesita imprimir ese espíritu a sus propias canciones. Crea “Pescado Rabioso” con formato de power trío, junto a ‘Bocón’ Frascino en el bajo y a Black Amaya en batería.

El Flaco acaba de regresar de un largo viaje por el mundo, y presenta su nueva banda en Buenos Aires. Así lo recordaría años después: “Yo quería hacer un grupo más violento, una música aún más violenta que el segundo disco de Almendra… Con Pescado intenté romper la ternura y el eje sensible de Almendra… Había partido de una música esencialmente ciudadana, tanguera, con reflejos de bossa-nova, con aires de jazz e influencia de Piazzola, y ahora me rebelaba contra eso creando riffs… Creo que fue una etapa medio punk”.

“Despiértate nena” fue el primer simple que editó “Pescado…” a comienzos de 1973 junto a “Post crucifixión” del otro lado. En la edición original del disco “Desatormentándonos” no está incluido este tema y solamente hay 5 canciones. En futuras ediciones se incluiría “Despiértate…” como bonus track, por eso podemos considerarlo como parte del mismo.

En esta canción Luis cede la voz principal a David Lebón, quién había reemplazado a Frascino en el bajo luego de que este decidiera abandonar el grupo en plena grabación del álbum. Así lo recuerda David: “Un día le pregunté a Luis si podía tocar con él. Me respondió ‘vos estás con Edelmiro’ (Molinari, en Color Humano). No importa, dejo ya mismo, le dije. Cuando Luis dijo que sí fue como si el mundo de la música me hubiese aceptado. Él siempre fue muy generoso y a mí me quería mucho. Por eso me dejó cantar ‘Despiértate nena’”.

Luis explicaba su canción: “Creo que aquí aparece todo aquello que estaba proscripto en ‘Muchacha…’, donde en ningún momento hay un rayo que la traspasa. Aquí sí, es como que la nena debe asumir un mundo, debe subirse a un rayo, debe tomar en cuenta su relación erótica con la naturaleza, y el rayo también se despierta para subirse a ella. Quizás todo esto gire en torno a la maternidad. ‘Así verás lo bueno y dulce que es amar’ entra en el rango de la procreación, independientemente de que sea yo el que le va a hacer el amor, porque subirse al rayo no es subirse a mí. Es asumir para sí misma lo femenino del mundo».

El disco se grabó en septiembre de 1972 en los estudios Phonalex, y fue editado por el sello Microfón. En el sobre interno podía leerse la siguiente frase escrita por Luis: “El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fusionó todas en un plano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre. PD: Yo te amo Beatles”.

Ficha técnica:

Autores: Luis Alberto Spinetta – Black Amaya

Intérprete: Pescado Rabioso

Álbum: Desatormentándonos (1972)

Formación: Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), David Lebón (bajo) y Black Amaya (batería).

Duración: 3 min. 13 seg.

Esenciales del rock argentino

«Cantata de puentes amarillos»

Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

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Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

Buenos Aires, invierno de 1973

En los primeros meses del año, diferencias irreconciliables relacionadas con el criterio musical de la banda, provocan la disolución de Pescado Rabioso. Luis Alberto Spinetta vive un momento de enamoramiento y encantamiento con quién sería la madre de sus 4 hijos, y en una especie de ceremonia íntima escribe las 9 canciones del mejor disco de la historia del rock nacional: Artaud, nombre dado en honor al poeta francés Antonin Artaud.

El propio Luis habla sobre el tema 6 del disco: “´Cantata de puentes amarillos´ es una pieza maestra de mi literatura, en la que yo llegué a un período clave. Me encontré con ciertas y determinadas vetas que creo que son las cosas que a mí más me llegan, y pienso que eso es lo más importante para cualquier artista”.

Para grabar algunos temas convoca a su hermano Gustavo, y a sus viejos compañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. Sin embargo en la Cantata no participa ningún músico. Es sólo el flaco con su guitarra y su voz, en una simpleza llana y profunda. Spinetta fue armando el tema en el estudio, superponiendo voces y guitarras que él mismo graba.

Tanto el color amarillo de los puentes, como los cipreses, están inspirados en la obra de Vincent Van Gogh, sobre quién Artaud escribió un libro. Pero la realidad argentina también se hace presente en una pregunta que refleja lo que está pasando ahí afuera: “¿Con esta sangre alrededor, no sé qué puedo yo mirar? La sangre ríe idiota como esta canción, y ante qué?”.

Además de su increíble poesía, Cantata… tiene una frase que está grabada en la historia del rock: “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor. Mañana es mejor!”.

Ficha técnica:

Autor: Luis Alberto Spinetta

Intérprete: Luis Alberto Spinetta

Álbum: Artaud (1973)

Duración: 9 min. 12 seg.

Edición: 15 de marzo de 1971

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«Canción de Alicia en el país»

Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

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Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

Buenos Aires, año 1976.

Esta canción fue compuesta por Charly García originalmente para una película dirigida por Eduardo Pla, e interpretada para tal fin por Raúl Porchetto. Obviamente, estaba basada en la genial obra de Lewis Caroll, «Alicia en el País de las Maravillas», y era una sátira a los tiempos de la dictadura militar en clave de fábula.

El disparador de la letra para Charly fue la tapa del disco «Nursery Cryme» de Genesis (parodia de Nursery Rhymes, rimas para niñeras). A partir de esa idea adaptó la historia, y contó con una serie de matáforas la pesadilla que vivía el país en esos tiempos en los que ya no había morsas (Illia) ni tortugas (Onganía), pero donde los brujos (López Rega y la triple A) «piensan en volver a nublarnos el camino».

Cuatro años después de componerla, Charly hizo algunos cambios en la letra para incluirla en el repertorio de Serú. La canción se convirtió en una feroz crítica contra los militares pero increíblemente no fue censurada por la sutileza en su letra. «El trabalenguas, traba lenguas; el asesino te asesina, y es mucho para mí», gritaba García, y pareciera que nadie en el poder escuchaba. O probablemente, nadie entendía.

«No cuentes lo que viste en los jardines… no cuentes qué hay detrás de aquel espejo, no tendrás poder, ni abogados, ni testigos». Pocas letras son tan explícitas y claras en su significado como ésta, en la que Charly demuestra una vez más ser por lejos el mejor observador y narrador de la realidad.

La canción forma parte de «Bicicleta», tercer álbum de la banda, y primero que editaron con SG Discos, su propio sello discográfico, en 1980. La mayor parte del disco fue grabado en los estudios ION, pero esta canción, al igual que «Tema de Nayla», se grabó en El Cielito, estudio que acababa de abrir sus puertas.

Ficha técnica:

Autor: Charly García

Intérprete: Serú Girán

Álbum: Bicicleta (1980)

Formación: Charly García (teclados), Pedro Aznar (bajo) David Lebón (guitarra) y Oscar Moro (batería)

Duración: 4 min. 25 seg.

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«El hombre suburbano»

Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

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Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

Buenos Aires, Primavera de 1970

Una noche Pappo entró a Talcahuano 485 donde funcionaba la librería-editorial de Jorge Álvarez, destacadísimo productor, uno de los artífices de la historia del rock nacional. Fue directo hacia donde estaba Jorge y le dijo: “Sí, ahora sí lo hacemos”. Se refería a armar su propia banda. Pappo había tocado ya con Los Gatos, Conexión N° 5, y Manal, y Álvarez le insistía en que era el momento de formar su propia banda. Así nació Pappo’s Blues.

Pappo tenía un estilo muy simple para componer. Sus letras son muy crudas, muy directas y muy simples, pero a la vez transmiten su energía y vehemencia para manifestarse. “El Hombre Suburbano” es un claro ejemplo de esto. Es una excelente pintura de la época.

La canción se incluyó en el disco Volumen 1, el primero de la banda. En esa primera formación acompañaban a Pappo, David Lebón (Davies) en bajo y Black Amaya en batería. El disco se grabó en una sola toma, y cuenta Black que el primer día Pappo armó una muralla con todos los paneles acústicos para cantar escondido, debido a su timidez.

Fue grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971, y editado por Music Hall. El Hombre Suburbano es el primer tema del Lado B.

Ficha técnica:

Autor: Norberto Pappo Nápolitano

Intérprete: Pappo’s Blues

Álbum: Volumen 1 (1971)

Formación: David Lebón (bajo) y Black Amaya (batería)

Duración: 2 min. 20 seg.

Productores: Jorge Alvarez y Pedro Pujó

Fecha de edición: marzo de 1971

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