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Esenciales del rock argentino

«Mujer amante»

Compuesta por Adrián Barilari y Walter Giardino e incluida en el segundo disco de Rata Blanca, esta canción los posicionó como una de las bandas más populares del género: «Mujer amante».

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Compuesta por Adrián Barilari y Walter Giardino e incluida en el segundo disco de Rata Blanca, esta canción los posicionó como una de las bandas más populares del género: «Mujer amante».

Buenos Aires, año 1988

Rata Blanca tiene un corto recorrido como banda pero ya consiguieron editar su primer disco con bastante éxito y buenas críticas, logrando vender 20.000 copias en los primeros meses. Sin embargo no consiguen un vocalista estable. En ese primer trabajo la voz estuvo a cargo de Saúl Blanch, pero este ya anunció que deja el grupo. Un amigo les presenta a Adrián Barilari, que canta en otra banda llamada ‘Días de gloria’.

Walter Giardino, guitarrista y líder del grupo, junto al tecladista Hugo Bistolfi, se reúnen con Barilari y le ofrecen ser la voz líder. Este duda al principio pero finalmente acepta, y de entrada plantea la inquietud de poder componer. Walter acepta enseguida y le pasa una canción que no tenía letra ni nombre, pero que luego sería ‘Haz tu jugada’.

Adrián empieza a escribir: ‘Siento el calor de toda tu piel en mi cuerpo otra vez…’ y sigue con el esqueleto de la letra. La llama ‘Estrella fugaz’ por la parte que dice ‘estrella fugaz enciende mi ser, misteriosa mujer’. Sin embargo, cuando le muestra la letra a Walter, este le dice que le gusta más para otra canción que está dando vueltas, y tiene la melodía solamente.

Así, pegando 2 partes sueltas, nace ‘Mujer amante’. Walter le agregó el estribillo: ‘Uh, debo saber si es verdad que en algún lado estás…’, algunas palabras sueltas, y decidieron luego el nombre. “De esta manera, la letra que yo había escrito para el famoso ‘Haz tu jugada’ terminó siendo la letra para ‘Mujer amante’, que luego se agregó en el disco y que en realidad no iba a ser parte porque veíamos que era una balada que no combinaba mucho con el resto” explicaría luego el cantante.

La canción integró el segundo disco de Rata Blanca, llamado “Magos, espadas y rosas”, que fue grabado entre octubre de 1989 y febrero de 1990 en los Estudios Buenos Aires, y editado el 24 de abril de 1990 a través del sello Polydor. Alcanzó Doble Disco de Platino y se convirtió en el más vendido en la historia del Heavy Metal en Argentina. Paradójicamente, esa canción que no iba a integrar el álbum, terminó siendo el corte de difusión y el hit que catapultó a la banda a una popularidad impensada para un grupo de rock pesado.

“La historia dijo que esa canción iba a ser lo que fue, sin que nosotros lo decidiéramos. En los recitales la gente la pedía, la cantaba completa y la pedía también en las radios” agrega Barilari, y aclara: “La canción no tiene nada referencial ni está dedicado a una mujer en especial”.

Extraño caso el de Rata Blanca dentro del rock argentino. Un grupo de heavy metal que logra convertirse en masivo, traspasando las barreras del rock pesado y llegando a tocar hasta en bailantas. Y todo estalló con esta canción.

Ficha técnica:

Autores: Letra: Adrián Barilari – Walter Giardino / Música: Walter Giardino

Intérprete: Rata Blanca

Integrantes: Adrián Barilari (voz), Walter Giardino (guitarra), Guillermo Sánchez (bajo), Hugo Bistolfi (teclados), Sergio Berdichevsky (guitarra rítmica) y Gustavo Rowek (batería)

Álbum: Magos, espadas y rosas (1990)

Duración: 6 min. 05 seg.

Esenciales del rock argentino

«Cantata de puentes amarillos»

Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

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Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

Buenos Aires, invierno de 1973

En los primeros meses del año, diferencias irreconciliables relacionadas con el criterio musical de la banda, provocan la disolución de Pescado Rabioso. Luis Alberto Spinetta vive un momento de enamoramiento y encantamiento con quién sería la madre de sus 4 hijos, y en una especie de ceremonia íntima escribe las 9 canciones del mejor disco de la historia del rock nacional: Artaud, nombre dado en honor al poeta francés Antonin Artaud.

El propio Luis habla sobre el tema 6 del disco: “´Cantata de puentes amarillos´ es una pieza maestra de mi literatura, en la que yo llegué a un período clave. Me encontré con ciertas y determinadas vetas que creo que son las cosas que a mí más me llegan, y pienso que eso es lo más importante para cualquier artista”.

Para grabar algunos temas convoca a su hermano Gustavo, y a sus viejos compañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. Sin embargo en la Cantata no participa ningún músico. Es sólo el flaco con su guitarra y su voz, en una simpleza llana y profunda. Spinetta fue armando el tema en el estudio, superponiendo voces y guitarras que él mismo graba.

Tanto el color amarillo de los puentes, como los cipreses, están inspirados en la obra de Vincent Van Gogh, sobre quién Artaud escribió un libro. Pero la realidad argentina también se hace presente en una pregunta que refleja lo que está pasando ahí afuera: “¿Con esta sangre alrededor, no sé qué puedo yo mirar? La sangre ríe idiota como esta canción, y ante qué?”.

Además de su increíble poesía, Cantata… tiene una frase que está grabada en la historia del rock: “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor. Mañana es mejor!”.

Ficha técnica:

Autor: Luis Alberto Spinetta

Intérprete: Luis Alberto Spinetta

Álbum: Artaud (1973)

Duración: 9 min. 12 seg.

Edición: 15 de marzo de 1971

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«Canción de Alicia en el país»

Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

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Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

Buenos Aires, año 1976.

Esta canción fue compuesta por Charly García originalmente para una película dirigida por Eduardo Pla, e interpretada para tal fin por Raúl Porchetto. Obviamente, estaba basada en la genial obra de Lewis Caroll, «Alicia en el País de las Maravillas», y era una sátira a los tiempos de la dictadura militar en clave de fábula.

El disparador de la letra para Charly fue la tapa del disco «Nursery Cryme» de Genesis (parodia de Nursery Rhymes, rimas para niñeras). A partir de esa idea adaptó la historia, y contó con una serie de matáforas la pesadilla que vivía el país en esos tiempos en los que ya no había morsas (Illia) ni tortugas (Onganía), pero donde los brujos (López Rega y la triple A) «piensan en volver a nublarnos el camino».

Cuatro años después de componerla, Charly hizo algunos cambios en la letra para incluirla en el repertorio de Serú. La canción se convirtió en una feroz crítica contra los militares pero increíblemente no fue censurada por la sutileza en su letra. «El trabalenguas, traba lenguas; el asesino te asesina, y es mucho para mí», gritaba García, y pareciera que nadie en el poder escuchaba. O probablemente, nadie entendía.

«No cuentes lo que viste en los jardines… no cuentes qué hay detrás de aquel espejo, no tendrás poder, ni abogados, ni testigos». Pocas letras son tan explícitas y claras en su significado como ésta, en la que Charly demuestra una vez más ser por lejos el mejor observador y narrador de la realidad.

La canción forma parte de «Bicicleta», tercer álbum de la banda, y primero que editaron con SG Discos, su propio sello discográfico, en 1980. La mayor parte del disco fue grabado en los estudios ION, pero esta canción, al igual que «Tema de Nayla», se grabó en El Cielito, estudio que acababa de abrir sus puertas.

Ficha técnica:

Autor: Charly García

Intérprete: Serú Girán

Álbum: Bicicleta (1980)

Formación: Charly García (teclados), Pedro Aznar (bajo) David Lebón (guitarra) y Oscar Moro (batería)

Duración: 4 min. 25 seg.

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«El hombre suburbano»

Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

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Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

Buenos Aires, Primavera de 1970

Una noche Pappo entró a Talcahuano 485 donde funcionaba la librería-editorial de Jorge Álvarez, destacadísimo productor, uno de los artífices de la historia del rock nacional. Fue directo hacia donde estaba Jorge y le dijo: “Sí, ahora sí lo hacemos”. Se refería a armar su propia banda. Pappo había tocado ya con Los Gatos, Conexión N° 5, y Manal, y Álvarez le insistía en que era el momento de formar su propia banda. Así nació Pappo’s Blues.

Pappo tenía un estilo muy simple para componer. Sus letras son muy crudas, muy directas y muy simples, pero a la vez transmiten su energía y vehemencia para manifestarse. “El Hombre Suburbano” es un claro ejemplo de esto. Es una excelente pintura de la época.

La canción se incluyó en el disco Volumen 1, el primero de la banda. En esa primera formación acompañaban a Pappo, David Lebón (Davies) en bajo y Black Amaya en batería. El disco se grabó en una sola toma, y cuenta Black que el primer día Pappo armó una muralla con todos los paneles acústicos para cantar escondido, debido a su timidez.

Fue grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971, y editado por Music Hall. El Hombre Suburbano es el primer tema del Lado B.

Ficha técnica:

Autor: Norberto Pappo Nápolitano

Intérprete: Pappo’s Blues

Álbum: Volumen 1 (1971)

Formación: David Lebón (bajo) y Black Amaya (batería)

Duración: 2 min. 20 seg.

Productores: Jorge Alvarez y Pedro Pujó

Fecha de edición: marzo de 1971

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