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Esenciales del rock argentino

«Hacelo por mí»

El gran salto de esta promesa del punk-rock local llegó de la mano de un programa de televisión: en 1990, Attaque 77 consigue sonar en todas las radios y presentar su segundo disco en Obras, impulsados por la canción «Hacelo por mí».

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El gran salto de esta promesa del punk-rock local llegó de la mano de un programa de televisión: en 1990, Attaque 77 consigue sonar en todas las radios y presentar su segundo disco en Obras, impulsados por la canción «Hacelo por mí».

Buenos Aires, barrio de Flores, año 1989

Mariano Martínez trabaja en una casa de instrumentos musicales frente a la plaza San José de Flores. Ciro Pertusi es cartero y habitualmente, en medio del reparto de telegramas, se escapa a tocar unos temas con su amigo Mariano. Ambos tienen una banda de rock, sueño que acuñaron desde los 14 años, allá por 1984, cuando empezaron a escuchar a los Ramones, Sex Pistols y otras bandas de punk rock.

Una tarde en ese lugar, Mariano le muestra un riff y una melodía a Ciro, que lo recuerda así: “Me dijo que se parecía un poco a ‘Yo te vi en un tren’ de Los Enanitos Verdes, y entre los dos empezamos a buscar otra forma de cantarla. Yo le agregué el puente en la parte que dice ‘si aún te queda algo de amor dentro de tu corazón’ y después hice la letra inspirado en las vivencias de ambos”.

Continúa el autor de la letra: “Trata de cuando al principio idealizás mucho la relación, cuando conocés una persona y te fascinás, y después ahondás más y descubrís cómo es. Mariano estaba viviendo algo parecido con una mina que había idealizado demasiado, y la letra habla de eso y de las relaciones en general. Reconoce la culpa en uno, no como en los tangos, dice ‘la culpa la tuve yo’”.

La canción significó una explosión en la carrera de Attaque. “Cuando empezó a sonar, la gente nos reconocía por la calle y tuve que cuidarme de algunas cosas que no sabía de qué se trataban” recuerda Mariano. “Hacelo…” se incluyó en el segundo disco de la banda “El cielo puede esperar”, grabado entre agosto y septiembre de 1990, y producido por Juanchi Baleirón, guitarrista de Los Pericos. Llegó rápidamente al Disco de Oro.

En 1992, el canal 9 de Alejandro Romay necesitaba un programa que compitiera los domingos con “Ritmo de la noche” de Marcelo Tinelli. Pensaron en darle una impronta más rockera, las bandas tocarían en vivo en lugar de hacer playback, y convocaron a un joven Mario Pergolini que empezaba a hacer sus primeras armas en la radio y la TV. El programa llevó el nombre del hit rockero del momento: “Hacelo por mí”. A partir de ese momento los Attaque fueron una banda de “la tele”.

Esto no agradó mucho a los primeros seguidores del grupo, de origen punk y rock duro. Y paradójicamente la canción que los catapultó a la fama masiva, les cerraba otras puertas que ellos no querían cerrar. Mariano cuenta: “Vino como un bajón. Queríamos tocar en Obras y apenas lo podíamos llenar pero íbamos al interior y tocábamos en lugares gigantes ante un montón de gente que seguía el tema. Fue un momento extraño”.

Momento que superaron y supieron reinventar a la banda más de una vez. Llegarían otros hits y más éxitos en una carrera de muchos años, pero sin dudas “Hacelo por mí” fue la canción más importante de todas.

Ficha técnica:

Autores: Demián Ciro Pertusi – Mariano Martínez

Intérprete: Attaque 77

Integrantes: Ciro Pertusi (voz y guitarra), Mariano Martínez (voz y guitarra), Adrián ‘Chino’ Vera (bajo) y Leonardo De Cecco (batería)

Álbum: El cielo puede esperar (1990)

Duración: 3 min. 49 seg.

Esenciales del rock argentino

«Cantata de puentes amarillos»

Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

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Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

Buenos Aires, invierno de 1973

En los primeros meses del año, diferencias irreconciliables relacionadas con el criterio musical de la banda, provocan la disolución de Pescado Rabioso. Luis Alberto Spinetta vive un momento de enamoramiento y encantamiento con quién sería la madre de sus 4 hijos, y en una especie de ceremonia íntima escribe las 9 canciones del mejor disco de la historia del rock nacional: Artaud, nombre dado en honor al poeta francés Antonin Artaud.

El propio Luis habla sobre el tema 6 del disco: “´Cantata de puentes amarillos´ es una pieza maestra de mi literatura, en la que yo llegué a un período clave. Me encontré con ciertas y determinadas vetas que creo que son las cosas que a mí más me llegan, y pienso que eso es lo más importante para cualquier artista”.

Para grabar algunos temas convoca a su hermano Gustavo, y a sus viejos compañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. Sin embargo en la Cantata no participa ningún músico. Es sólo el flaco con su guitarra y su voz, en una simpleza llana y profunda. Spinetta fue armando el tema en el estudio, superponiendo voces y guitarras que él mismo graba.

Tanto el color amarillo de los puentes, como los cipreses, están inspirados en la obra de Vincent Van Gogh, sobre quién Artaud escribió un libro. Pero la realidad argentina también se hace presente en una pregunta que refleja lo que está pasando ahí afuera: “¿Con esta sangre alrededor, no sé qué puedo yo mirar? La sangre ríe idiota como esta canción, y ante qué?”.

Además de su increíble poesía, Cantata… tiene una frase que está grabada en la historia del rock: “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor. Mañana es mejor!”.

Ficha técnica:

Autor: Luis Alberto Spinetta

Intérprete: Luis Alberto Spinetta

Álbum: Artaud (1973)

Duración: 9 min. 12 seg.

Edición: 15 de marzo de 1971

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«Canción de Alicia en el país»

Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

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Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

Buenos Aires, año 1976.

Esta canción fue compuesta por Charly García originalmente para una película dirigida por Eduardo Pla, e interpretada para tal fin por Raúl Porchetto. Obviamente, estaba basada en la genial obra de Lewis Caroll, «Alicia en el País de las Maravillas», y era una sátira a los tiempos de la dictadura militar en clave de fábula.

El disparador de la letra para Charly fue la tapa del disco «Nursery Cryme» de Genesis (parodia de Nursery Rhymes, rimas para niñeras). A partir de esa idea adaptó la historia, y contó con una serie de matáforas la pesadilla que vivía el país en esos tiempos en los que ya no había morsas (Illia) ni tortugas (Onganía), pero donde los brujos (López Rega y la triple A) «piensan en volver a nublarnos el camino».

Cuatro años después de componerla, Charly hizo algunos cambios en la letra para incluirla en el repertorio de Serú. La canción se convirtió en una feroz crítica contra los militares pero increíblemente no fue censurada por la sutileza en su letra. «El trabalenguas, traba lenguas; el asesino te asesina, y es mucho para mí», gritaba García, y pareciera que nadie en el poder escuchaba. O probablemente, nadie entendía.

«No cuentes lo que viste en los jardines… no cuentes qué hay detrás de aquel espejo, no tendrás poder, ni abogados, ni testigos». Pocas letras son tan explícitas y claras en su significado como ésta, en la que Charly demuestra una vez más ser por lejos el mejor observador y narrador de la realidad.

La canción forma parte de «Bicicleta», tercer álbum de la banda, y primero que editaron con SG Discos, su propio sello discográfico, en 1980. La mayor parte del disco fue grabado en los estudios ION, pero esta canción, al igual que «Tema de Nayla», se grabó en El Cielito, estudio que acababa de abrir sus puertas.

Ficha técnica:

Autor: Charly García

Intérprete: Serú Girán

Álbum: Bicicleta (1980)

Formación: Charly García (teclados), Pedro Aznar (bajo) David Lebón (guitarra) y Oscar Moro (batería)

Duración: 4 min. 25 seg.

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«El hombre suburbano»

Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

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Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

Buenos Aires, Primavera de 1970

Una noche Pappo entró a Talcahuano 485 donde funcionaba la librería-editorial de Jorge Álvarez, destacadísimo productor, uno de los artífices de la historia del rock nacional. Fue directo hacia donde estaba Jorge y le dijo: “Sí, ahora sí lo hacemos”. Se refería a armar su propia banda. Pappo había tocado ya con Los Gatos, Conexión N° 5, y Manal, y Álvarez le insistía en que era el momento de formar su propia banda. Así nació Pappo’s Blues.

Pappo tenía un estilo muy simple para componer. Sus letras son muy crudas, muy directas y muy simples, pero a la vez transmiten su energía y vehemencia para manifestarse. “El Hombre Suburbano” es un claro ejemplo de esto. Es una excelente pintura de la época.

La canción se incluyó en el disco Volumen 1, el primero de la banda. En esa primera formación acompañaban a Pappo, David Lebón (Davies) en bajo y Black Amaya en batería. El disco se grabó en una sola toma, y cuenta Black que el primer día Pappo armó una muralla con todos los paneles acústicos para cantar escondido, debido a su timidez.

Fue grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971, y editado por Music Hall. El Hombre Suburbano es el primer tema del Lado B.

Ficha técnica:

Autor: Norberto Pappo Nápolitano

Intérprete: Pappo’s Blues

Álbum: Volumen 1 (1971)

Formación: David Lebón (bajo) y Black Amaya (batería)

Duración: 2 min. 20 seg.

Productores: Jorge Alvarez y Pedro Pujó

Fecha de edición: marzo de 1971

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