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Esenciales del rock argentino

«En el hospicio»

Casi cuando Sui Generis programaba su adiós, otro dúo acústico comenzaba su recorrido. De Michele y Erausquín formaron Pastoral, con su gran disco en 1975: “En el hospicio”.

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Casi cuando Sui Generis programaba su adiós, otro dúo acústico comenzaba su recorrido. De Michele y Erausquín formaron Pastoral, con su gran disco en 1975: “En el hospicio”.

Buenos Aires, año 1973

La primera mitad de los ’70 trae para el rock nacional una invasión de rock acústico o progresivo, especialmente en formato de dúo. Al éxito de Sui Géneris se suman Pedro y Pablo, Vivencia, Gabriela y Edelmiro, y Pastoral; además de solistas como Raúl Porchetto y León Gieco con un estilo más folk.

El 18 de noviembre, en el Teatro Diagonal de Mar del Plata, suben al escenario Alejandro de Michele y Miguel Angel Erausquín, con el nombre de “Pastoral”. Si bien su debut en vivo fue demorado, estos ex compañeros del colegio Nacional Mariano Moreno de Buenos Aires llevan más de dos años ensayando y escribiendo canciones, y en octubre grabaron su primer disco, que presentan esa noche en el concierto del Teatro Diagonal.

“El disco, llamado igual que el dúo, fue un experimento –recuerda Erausquín–. Todavía me acuerdo del Chango Farías Gómez sacando las canciones con el contrabajo. Lo grabamos en cuatro canales en el estudio de arriba de ION, no teníamos productor y por más voluntad que le pusimos se notó la falta de experiencia para hacer un buen disco”.

El primer tema del lado B es “En el hospicio”, compuesto por Alejandro, y que se convertiría en uno de los hits. “Habla de la oscuridad de un hospicio, intenta reflejar el encierro dentro de una habitación de un neuropsiquiátrico y todo lo que ello significa. También se representa al rayo de sol atrapado en la pared que está a nuestras espaldas. La temática del hospicio, lógicamente, no es exclusiva del rock; está en la primera película de Leonardo Favio y en docenas de lugares históricamente. El hospicio y los locos son temáticas bastante atractivas para el adolescente”, explica Miguel. También “Almendra” retrató ese mundo por aquellos años, en su canción “Fermín”.

El álbum debut de Pastoral fue un fracaso en ventas debido en parte a la mala difusión por parte del sello Cabal, y en parte a las letras cerradas, un poco surrealistas, casi la antítesis de las historias cotidianas de Sui Generis que tanto habían gustado al público adolescente. Es por eso que en 1975, el dúo decide volver a grabar “En el hospicio”, en una versión más larga, y no sólo incluirla en su segundo disco, sino darle el nombre de la canción al álbum.

“No quisimos que esa canción pasara desapercibida como el resto del disco. Aparte la producción había sido bastante floja a nivel sonido y grabación, y esto nos incentivó a volverla a grabar, pero esta vez con otros arreglos y un sonido digno” contaría años más tarde Erausquín.

Entre el primer y segundo disco de Pastoral hay un abismo en calidad de sonido y arreglos. El segundo contó con la producción de Litto Nebbia, quien también tocó junto a los 3 músicos que lo acompañaban en ese momento. Esto le dio riqueza musical, y lo convirtió en un éxito comercial y artístico, con canciones que se caracterizaban por su profundidad. “En el hospicio” es uno de los temas más importantes en la carrera de “Pastoral”.

Ficha técnica:

Autor: Alejandro de Michele

Intérprete: Pastoral

Integrantes: Alejandro de Michele (voz y guitarra), Miguel Angel Erausquín (voz y guitarra)

Álbum: “Pastoral” (1973) y “En el hospicio” (1975)

Duración: 2 min. 58 seg. / 3 min. 33 seg.

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«Cantata de puentes amarillos»

Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

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Pieza central de «Artaud», el disco acreditado a Pescado Rabioso pero que corresponde a Spinetta solista, la «Cantata de puentes amarillos» está inspirada en las cartas de Vicent Van Gogh a su hermano Theo, conjugadas con la realidad del Flaco en esos momentos de 1973.

Buenos Aires, invierno de 1973

En los primeros meses del año, diferencias irreconciliables relacionadas con el criterio musical de la banda, provocan la disolución de Pescado Rabioso. Luis Alberto Spinetta vive un momento de enamoramiento y encantamiento con quién sería la madre de sus 4 hijos, y en una especie de ceremonia íntima escribe las 9 canciones del mejor disco de la historia del rock nacional: Artaud, nombre dado en honor al poeta francés Antonin Artaud.

El propio Luis habla sobre el tema 6 del disco: “´Cantata de puentes amarillos´ es una pieza maestra de mi literatura, en la que yo llegué a un período clave. Me encontré con ciertas y determinadas vetas que creo que son las cosas que a mí más me llegan, y pienso que eso es lo más importante para cualquier artista”.

Para grabar algunos temas convoca a su hermano Gustavo, y a sus viejos compañeros de Almendra, Emilio del Guercio y Rodolfo García. Sin embargo en la Cantata no participa ningún músico. Es sólo el flaco con su guitarra y su voz, en una simpleza llana y profunda. Spinetta fue armando el tema en el estudio, superponiendo voces y guitarras que él mismo graba.

Tanto el color amarillo de los puentes, como los cipreses, están inspirados en la obra de Vincent Van Gogh, sobre quién Artaud escribió un libro. Pero la realidad argentina también se hace presente en una pregunta que refleja lo que está pasando ahí afuera: “¿Con esta sangre alrededor, no sé qué puedo yo mirar? La sangre ríe idiota como esta canción, y ante qué?”.

Además de su increíble poesía, Cantata… tiene una frase que está grabada en la historia del rock: “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor. Mañana es mejor!”.

Ficha técnica:

Autor: Luis Alberto Spinetta

Intérprete: Luis Alberto Spinetta

Álbum: Artaud (1973)

Duración: 9 min. 12 seg.

Edición: 15 de marzo de 1971

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«Canción de Alicia en el país»

Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

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Charly García compuso esta canción para pintar la realidad de la dictdura y lo hizo con tantas metáforas que la censura no llegó a prohibir.

Buenos Aires, año 1976.

Esta canción fue compuesta por Charly García originalmente para una película dirigida por Eduardo Pla, e interpretada para tal fin por Raúl Porchetto. Obviamente, estaba basada en la genial obra de Lewis Caroll, «Alicia en el País de las Maravillas», y era una sátira a los tiempos de la dictadura militar en clave de fábula.

El disparador de la letra para Charly fue la tapa del disco «Nursery Cryme» de Genesis (parodia de Nursery Rhymes, rimas para niñeras). A partir de esa idea adaptó la historia, y contó con una serie de matáforas la pesadilla que vivía el país en esos tiempos en los que ya no había morsas (Illia) ni tortugas (Onganía), pero donde los brujos (López Rega y la triple A) «piensan en volver a nublarnos el camino».

Cuatro años después de componerla, Charly hizo algunos cambios en la letra para incluirla en el repertorio de Serú. La canción se convirtió en una feroz crítica contra los militares pero increíblemente no fue censurada por la sutileza en su letra. «El trabalenguas, traba lenguas; el asesino te asesina, y es mucho para mí», gritaba García, y pareciera que nadie en el poder escuchaba. O probablemente, nadie entendía.

«No cuentes lo que viste en los jardines… no cuentes qué hay detrás de aquel espejo, no tendrás poder, ni abogados, ni testigos». Pocas letras son tan explícitas y claras en su significado como ésta, en la que Charly demuestra una vez más ser por lejos el mejor observador y narrador de la realidad.

La canción forma parte de «Bicicleta», tercer álbum de la banda, y primero que editaron con SG Discos, su propio sello discográfico, en 1980. La mayor parte del disco fue grabado en los estudios ION, pero esta canción, al igual que «Tema de Nayla», se grabó en El Cielito, estudio que acababa de abrir sus puertas.

Ficha técnica:

Autor: Charly García

Intérprete: Serú Girán

Álbum: Bicicleta (1980)

Formación: Charly García (teclados), Pedro Aznar (bajo) David Lebón (guitarra) y Oscar Moro (batería)

Duración: 4 min. 25 seg.

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«El hombre suburbano»

Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

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Grabado en diciembre de 1970 y editado en el ’71. Es el primer disco de Pappo’s Blues, integrado por Pappo, David Lebón y Black Amaya.

Buenos Aires, Primavera de 1970

Una noche Pappo entró a Talcahuano 485 donde funcionaba la librería-editorial de Jorge Álvarez, destacadísimo productor, uno de los artífices de la historia del rock nacional. Fue directo hacia donde estaba Jorge y le dijo: “Sí, ahora sí lo hacemos”. Se refería a armar su propia banda. Pappo había tocado ya con Los Gatos, Conexión N° 5, y Manal, y Álvarez le insistía en que era el momento de formar su propia banda. Así nació Pappo’s Blues.

Pappo tenía un estilo muy simple para componer. Sus letras son muy crudas, muy directas y muy simples, pero a la vez transmiten su energía y vehemencia para manifestarse. “El Hombre Suburbano” es un claro ejemplo de esto. Es una excelente pintura de la época.

La canción se incluyó en el disco Volumen 1, el primero de la banda. En esa primera formación acompañaban a Pappo, David Lebón (Davies) en bajo y Black Amaya en batería. El disco se grabó en una sola toma, y cuenta Black que el primer día Pappo armó una muralla con todos los paneles acústicos para cantar escondido, debido a su timidez.

Fue grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971, y editado por Music Hall. El Hombre Suburbano es el primer tema del Lado B.

Ficha técnica:

Autor: Norberto Pappo Nápolitano

Intérprete: Pappo’s Blues

Álbum: Volumen 1 (1971)

Formación: David Lebón (bajo) y Black Amaya (batería)

Duración: 2 min. 20 seg.

Productores: Jorge Alvarez y Pedro Pujó

Fecha de edición: marzo de 1971

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