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Entrevistas

#RodandoLaVoz de siete bandas

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El pasado lunes, en el Teatro Monteviejo, instalado en el mítico barrio del Abasto, se organizó una conferencia de prensa en donde Corriendo La Voz tuvo la oportunidad de participar.
Siete bandas, diferentes estilos y personajes, todos en un mismo lugar contando su actualidad. Uno de los destacados fue
 Eruca Sativa, recientemente nominados en tres galardones de los Premios Gardel y en vísperas de preparación para lo que será la presentación de «Barro y Fauna» en su segundo round en el Luna Park

Completaron la maratónica sesión: Josefina Pretende, Serfers, Sick Porky, Verne, Domino, Los Síntomas.

La recepción, tanto para prensa como para los músicos fue muy buena, regalando un buen ambiente de trabajo. El frió otoñal que reinaba en las calles se opacó con el calor humano que había adentro.

Josefina Pretende cuenta con cinco discos bajo el brazo, casi veinte años de ruta y un nombre que llama la atención por su contenido literario (sacado de un relato titulado Josefina La Cantora o “El Pueblo de los Ratones”, del escritor checo Franz Kafka). 

En una charla que mantuvimos con Paulo Zóccali (batería) sobre su último trabajo discográfico, Sueño Lucido, nos dijo: “logramos una sonoridad, fue una experiencia muy buena y un placer desde que empezamos hasta que lo terminamos. Logramos un salto de calidad con la masterización, que estuvo a cargo de Frank Arkwright en Abbey Road Studios (UK).»

– ¿De qué forma surge la masterización en Abbey Road Studios?

Paulo: Siempre tuvimos ese sueño, el de salir afuera. En un principio, no fue planeado sino que el guitarrista Juan Manuel Castelao hizo contacto con uno de los ingenieros, uno muy groso de allá, que trabajó con grandes bandas como Oasis, Arcade Fire, The Cure. Entonces él le mando un link con una mezcla nuestra que teníamos y le gustó. Hicimos una prueba y nos encantó lo que nos devolvió. Todo por Internet, quedamos enloquecidos. Iba muy bien con lo que queríamos nosotros para el sonido del disco».

-¿Cómo ves hoy el under en la actualidad?

Paulo: Se remó siempre, toda la vida. Está muy difícil porque hay pocos lugares para tocar, bueno, en realidad, pocos buenos lugares para tocar. A nivel sonoro, nosotros somos muy hinchas con eso cada vez que tenemos un show. Ahora el under está muy profesional, cada vez hay mejores bandas y que suenan muy bien. Esto le hace muy bien.

Serfers se formó en 2014 y está por grabar Atmósferas Nocturnas, su primer LP. A pesar de su corta vida, sus integrantes cargan una rica experiencia en la música. Sergio Bufi, cantante y guitarrista, ha sido parte de Mole, proyecto personal de Charly Alberti, ex Soda Stero junto a su hermano Andrés Alberti. A su lado están, Ariel Bufi en batería y Alejandro Maglio en teclados.

Al conversar con Ariel y Alejandro, cuentan que en piensan que la grabación del disco será veloz por la química y unión que existe entre ellos, producto de la experiencia y el trabajo en las salas de ensayos. 

En la banda al haber dos hermanos ¿Es más fácil la relación?

Ariel: Tenemos una buena relación. Con nuestras opiniones diferentes, pero lo mismo pasa con Ale. Convivimos con nuestros encuentros y desencuentros de la mejor manera.

Alejandro: Me siento como en el medio porque nos conocemos hace mucho y ya somos como hermanos musicales. Nos puteamos todos juntos  y lloramos, también, juntos. Siempre estamos unidos los tres.

-La Trastienda el próximo 11 de Junio junto a Domino ¿Cómo la están preparando?

Alejandro: Mucho ensayo de lo que queremos hacer. Tocamos mucho en vivo pero no nos dejamos estar. No hacemos esto como una presión, sino Tranquilos y relajados porque es lo que nos gusta hacer. Vivimos de la música. 

A fin de año buscarán el lugar donde enfocarse para la presentación del primer disco.

https://www.youtube.com/watch?v=L_SgsEL-bRo

Para referirnos al grupo de Synth Rock, Los Síntomas, su cantante Mariano Alvarez, nos cuenta sobre sus cuatro años de vida y que su búsqueda es por las formas para pasarla bien. El paso del tiempo conllevó a la grabación de un disco. Ahora se encuentran tocando mucho y por presentar el videoclip de «Trance».

-Por todo lo que vive el país y al ser una banda independiente que esta empezando ¿Cuál es el panorama que viven?

Mariano: No es fácil, en realidad para una banda independiente nunca es fácil a pesar de los gobiernos. De repente los gobiernos sirven para inspirar, porque en verdad, uno puede sacar todas las cosas que te das cuenta que se necesitan.

Es complicado poder sostener un proyecto artístico porque principalmente no hay mucho apoyo.

-Podes escribir con alguna inclinación política…

Mariano: Claro, en sí, nosotros tratamos de reflejar mucho lo que son problemas más existenciales, cosas más generales. Pero en esencia, todo es político. La banda no apunta a ningún lado, cada uno tiene una idea. Nos gusta mandar mucho mensajes que por momentos pueden ser muy oscuros y por otros más positivos.

-¿Esa oscuridad se refleja en…?

Mariano: Tanto en las letras como en la música y lo visual. Quizás puede ser por algún momento que nos haya tocado, yo suelo hacer las letras y estoy seguro que habrá sido algo de eso.

Por lo general cuestionamos mucho lo que es el uso del tiempo, de repente es lo más valioso nuestro y muchas veces en una sociedad industrializada, esta desperdiciado totalmente.

Una idea de trabajo que deberíamos hacer. Lo que lleva a soledad y un montón de otros sentimientos.

-Para el videoclip de «Trance» ¿Cómo sale la idea de filmarlo?

Mariano: Queríamos hacer un vídeo que cuente una historia. El primero, que fue, «No hablemos de escapar» era principalmente presentar la banda al publico, mostrar un poco el sonido y  los recursos propios. Pero ya para «Trance» queríamos mucho más mostrar una historia, poder contar un poco de lo que hablamos. Habla sobre una persona que se quiere liberar, un transexual, sería «Trance». Lo que se va viendo en el relato es cómo existe una discusión de una parte femenina con una masculina, podría ser la discusión de una pareja pero en realidad es una sola persona.  Lo que quisimos reflejar en el video es la es la exclusión, por eso lo representamos en la persecución de una pandilla enmascarada.

-¿Inspirado un poco en la película «The Purge«?

Mariano: Si, algo similar. Nos inspiramos mucho en esas mascaras y también en otras cuestiones que están. «The Purge» no fue la idea principal pero estuvo presente.

-Para lo que queda del año ¿Qué tienen planeado?

Mariano: Más allá de la presentación del vídeo y del disco, pensamos para Septiembre sacar un EP. Ahí ya estaríamos representando la esencia de Los Sintomas porque un primer disco es, en verdad, acumular todo el material que tenes. El segundo disco abarca más la identidad, a donde uno quiere ir. Lo estamos logrando, ensayando bastante, ahora a tocar esos temas, hacerlo bien. Somos muy detallistas en eso.

DOMINO, es un proyecto de amigos que surgió en 2013. Editaron un disco homónimo e Ivan Sorokin (guitarra y coros) nos cuenta sobre su historia y un pequeño adelanto del próximo segundo disco titulado COMA.

-¿Cómo fue entrar a un estudio de grabación por primera vez para la grabación de «Domino«?

Ivan: Teníamos dieciocho años en ese momento, casi que ni teníamos temas ni productor. Llegamos porque teníamos la posibilidad y fue componer temas y arreglarlos ahí, junto a grabarlos como podíamos. Sin experiencia, obviamente.

Ahora el proyecto cambio MUCHÍSIMO, es mucho más serio. Hace un año y medio venimos produciendo COMA, que tiene un laburo que ya es otra dimensión, con un nivel de producción diferente y de post-producción distinto. Otro concepto musical más poderoso y serio.

-¿Están pensando donde presentarlo?

Ivan: Nosotros planteamos siempre una propuesta que va más allá de lo auditivo, que pasa más por lo audiovisual. No todos los lugares nos permite hacer lo que nosotros necesitamos. Es una puesta más elaborada desde la escenografía hasta las luces. Trasciende más que la música que nosotros hacemos.

-¿De que manera «venderías» a DOMINO?

Ivan: Hacemos rock básicamente. Es muy difícil etiquetarnos dentro de las ramificaciones que hay. Mucha gente nos asemeja con Spinetta, más que nada por las melodías vocales y manera de cantar de Jero Romero (voz y guitarra). Tenemos inspiraciones o influencias que van desde Charly García hasta Radiohead o Iron Maiden. Pasando por muchos lados diferentes, llegamos a DOMINO.

Es más música para escuchar sentado, prestando atención y no quizás música para decir «lo escuches antes de salir a bailar».

Es una propuesta más larga y conceptual.

Verne es un dúo de rock & pop que une las pasiones personales de Tian Firpo, bajista y pintor que ha sabido vender su arte en diferentes ciudades del mundo, y Manuel Caizza, un músico que trabajó con iconos de nuestro rock como Pedro Aznar, Fito Paez o Alejandro Lerner hasta figuras internacionales de la talla de Carl Barat de The LibertinesKings Of Convenience, entre otros.

El disco «Caer y Levantar» fue compuesto, producido e interpretado por Manu y Tian íntegramente. Tuvieron varios invitados como Sergio Buffi de Serfers en Festival (también estuvieron Mauro ConfortiCam Beszkin) abriendo la placa. La canción elegida para hacer un tercer videoclip y hacerle como «una despedida» al mismo, fue «Alguien distinto», donde Lara Pedrosa participa cantando a dúo con Manu.

-¿Porqué eligen «Alguien distinto» para filmar el videoclip?

Tian: El corte lo eligieron el director Alejandro Jovic  y el guionista Martín Caamaño (guitarrista de Rosal), son muy amigos nuestros. Ellos, hace un año más o menos, nos venían que esa canción les encantaba y querían hacer un vídeo. Ya habíamos hecho dos clips antes («Hasta que» y «Escondido«) y con Manu habíamos decidido hacer el último corte para concentrarnos en lo que será el segundo. Entonces fue el momento de «Alguien distinto«, básicamente lo eligieron ellos.

-Para el que no conoce a la banda ¿Qué es Verne?

Tian: Propone algo muy genuino que es lo que le pasa a dos personas que son muy amigos. Verne es mostrar que vos no sos tan diferente a nosotros. No queremos mostrarnos como si fuéramos los campeones del mundo, los más lindos, los más altos o algo que vino de otro planeta. Nosotros somos igual que vos, solamente que nos tomamos el trabajo de expresar esos sentimientos, esas sensaciones que a vos te pasan de una manera linda o artística con una dirección intencionada.

Con veinte años de vida, SICK PORKY encara una nueva etapa con Alucinatorio, cuarto trabajo discográfico editado en 2016, de nueve canciones. Considerado el más logrado, maduro, y diverso de la banda. Resalta el hecho de producirse y auto dirigirse en «El Fantasma de la Libertad«., videoclip donde muestra la intimidad de la banda en la grabación de la placa en Sonoramica Estudio estudio ubicado en Mina Clavero, Córdoba.

El bajista, Leandro Spatola resumió un poco lo que se viene en los próximos shows, sus comienzos y algunas sensaciones luego haber compartido escenario con bandas de gran renombre, entre otros asuntos.

-¿Cómo preparan la presentación oficial de «Alucinatorio», el 11 de Agosto en Vorterix?

Leandro: Bien, como venimos tocando mucho las canciones están bastante pulidas y vamos a llevarlas al vivo. Estamos en la etapa de diseñar cómo será el show. Sería la parte estética, la parte de lo que vamos a tocar y cómo. Seguramente sea una presentación de todo el disco y una segunda parte con los clásicos y todos los amigos que nos dio la música.

-Antes se viene una gira por Paraguay y Formosa…

Leandro: Ahora nos vamos en dos semanas a Asunción, donde tenemos dos fechas entre Viernes y Sábado (16 y 17 de Junio respectivamente). Luego el Domingo (18 de Junio) concluimos en Formosa. Posteriormente tenemos algunas fechas más y después de la presentación, continua la gira. A fondo. Seguramente vayamos a Chile, Uruguay, Córdoba, Rosario, Mar del Plata. Es una gira intensa pero estamos contentos. Siempre quisimos hacer una gira con esa intensidad de tocar mucho. Continuar mostrando el disco por todos lados.

-¿Con que banda o cuales más disfrutaron tocar y que aprendieron?

Leandro: Con todas. Para mi hay bandas de acá que son increíbles y compartir con ellos algo, es alucinante. De todas aprendemos algo. Por ejemplo, en una época, tocar con una banda como Hielo Negro (de Chile), en el momento justo de la banda, fue increíble. Era una cosa espectacular para nosotros.

Después obviamente, tocar con Ghost hace poco, es como otra clase de alimentación musical. Una cosa diferente que te nutre de UNA MANERA DIFERENTE.

A veces me gusta ver bandas que me prenden fuego, que la gente se prende fuego. Es un momento único. Soy de los que termina de tocar y, por ahí, se va a ver la banda. Me gusta vivirlo, ver que cosas usan. Me gusta todo.

-¿Qué paso en los diez primeros años de la banda? Teniendo en cuenta que los discos se remitan de los últimos diez.

-Leandro: Era otra época. Grabar era bastante más complicado. Eramos muy chicos. Hicimos dos EP y ya era considerado como material de difusión y era groso. Después no terminamos de grabar otro disco que quedo trunco.

Se estaba pasando de lo que era analógico a lo digital, recién, y realmente eramos jóvenes, no teníamos guita. Se usaba mucho tocar y grabar cositas chicas. 

Fue un punto de instrucción grabar el primer disco. Lo empezamos a grabar por el 2004 y tardó dos años. Fue un momento especial. Era otra época. No teníamos instrumentos para grabar, ni en claro si íbamos a ser músicos, todo era una locura.. Tocábamos para divertirnos. Después de que salga «Ancestral» (2006), empezó a tener repercusiones en el exterior, pasaban cosas muy raras. Vendíamos discos en Alemania.

-Era más fuerte en otros países que acá…

Leandro: Claro. Paso eso y ahí nos empezó a llamar la atención, dijimos «esto viene en serio». Después de tocar mucho ese disco. Queríamos sacar otro y se vino el siguiente LP.

-Durante la producción de «Alucinatorio» ¿Que recordas del proceso?

Leandro: Es lo más lindo que hicimos. Más ecléctica. Para algunos, más rara. Es el LP más lindo que hicimos, es lo que nos representa hoy y son un montón de cosas que cuesta expresarlo con palabras. También por el viaje que hicimos para grabarlo.

Finalizando dejó en claro que Sick Porky es una banda de rock con sangre y muchos huevos. Amantes de la música que no les importa los géneros y les importa nada más que tocar. Que la gente pueda disfrutar su mensaje de ir siempre para adelante.

El plato fuerte de la noche fue sin dudas ERUCA SATIVA, debido a su gran presente que están atravesando gracias a “Barro y Fauna”, su último Álbum editado en 2016. Tres nominaciones a los Premios Gardel 2017 y el cierre de la gira, que lleva el mismo nombre del cuarto LP, el próximo 22 de Junio en el Luna Park. La cual los llevó por todo el país y un paso por Uruguay y Chile. La voz autorizada para contar un poco como están viviendo este magnífico presente fue el baterista Gabriel Pedernera.

-¿Cómo esperan el segundo Luna Park?

Gabriel: Bien, con mucha expectativa. Muchas ganas de seguir tocando este disco que nos está llenando de alegrías, satisfacciones y de buenos momentos. Así que el Luna va a ser como un broche de oro y también un comienzo. Sería como llegar hasta lo último de la pagina, dar dar la vuelta y decir: «vamos de nuevo, empecemos desde acá». Vamos a ver que nos depara el destino.

-Tocaron el 26 de Mayo pasado en La Trastienda de Uruguay ¿La gente como los recibió? 

Gabriel: Muy positivo. A veces los países limítrofes están mucho más cerca de lo que nosotros imaginamos. Nos reciben como si fuese nuestra propia casa. Presentamos el disco nuevo y la gente lo recibió con mucho amor, ya estaban al tanto y se sabían los temas. Lo disfrutaron como nosotros y fue un momento muy lindo.

-¿Que repercusión interna tuvieron sobre las nominaciones al recibirlas?

Gabriel: Nos sorprendió, no sabíamos ni esperábamos nada. Uno nunca trabaja para los premios, si vienen uno esta muy agradecido. Es la industria que te da un pequeño un mimo. No esperábamos tres nominaciones, la verdad. Ya estar ahí nominados es como un premio para nosotros.

Que rescaten tu música y te den un voto, me parece que esta bueno y sería como un triunfo.

-¿Con que canción de «Barro y Fauna» te quedas si tuvieras que elegir una?

Gabriel: Hoy me quedo con Justo al Partir. Pero cambia día a día. Cada canción tiene su historia y cada canción tiene su momento. Uno cambia. Hay días que me levanto y me gusta más un tema que otro. El disco es un concepto en si mismo y es como toda una gran canción.

-Después de la grabación ¿Crees que hubo una evolución importante si lo comparas con los anteriores?

Gabriel: Es difícil para mi juzgarlo o evaluarlo al estar desde adentro. Lo que si nos sentimos muy bien a nivel compositivo, sentimos que estamos haciendo canciones que nos emocionan y tenemos ganas de seguir aprendiendo.

Tenemos todavía mucho camino por recorrer. Nos quedan muchas canciones por componer.

Si le tuvieras que dar un consejo o un mensaje a las bandas que están comenzando su camino ¿Cuál sería?

Gabriel: Cada uno tiene su historia y su camino. La constancia en mi vida fue un factor clave y el amor ha sido otro de esos factores. Uno debe conocerse a uno mismo, decir: «Amo la música, quiero hacer música». Después levantarse todos los días y tratar de ser mejor en eso.

Primero para tratar de ser mejor persona, ponerse en el lugar del otro, tratar de ser bondadoso, escuchar y después ser mejor músico en este caso. Una vez que uno decide que quiere hacer, ahí es donde el mundo mejora y se convierte en un lugar más lindo.

Según pudo adelantar, se espera – con posterioridad al show en el Luna Park – la llegada del Power Trio por algunos países como Colombia, México, Paraguay, Ecuador, Perú y Uruguay. Con el aviso que hay intenciones de aterrizar por primera vez en Bolivia. También agregó que irán a algunas provincias de nuestro país que les faltan conoocer. Después de esto se puede decir con firmeza que hay Eruca Sativa para rato.

Fotogaleria a cargo de Belu Gonzalez 

 

Entrevistas

El Club Audiovisual: «La banda sabe manejar sus ambiciones»

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El conjunto pop presenta “Madrugada”, canción que formará parte de su próximo disco de estudio.

‘Madrugada’ habla del vacío que se puede encontrar en este mundo de relaciones instantáneas en el que estamos viviendo, y de lo fácil que es perderse en el placer y alejarse de la felicidad. Buscar un atisbo de pasión en los lugares equivocados”, explica Franco Moreno (tecladista).

¿En qué sienten que han evolucionado como banda desde la salida de “Ya no estamos tan solos” (2020)?

“Ya no estamos tan solos” es producto de plasmar nuestras influencias en un disco que trabajamos incansablemente antes de la pandemia. Creo que todos los integrantes coincidimos en que este disco va a mostrar un sonido más puro y personal de la banda, más enérgico y original.

¿Cuál dirían que es el fuerte de la banda?

El Club Audiovisual toca desde 2016 y hasta el día de hoy sigue en pie. No solo eso, sino que está más fuerte que nunca. La banda pasó por los escenarios más pequeños y todos los logros se fueron consiguiendo con muchísimo esfuerzo y trabajo. Creo que un gran fuerte de la banda es que sabe manejar sus ambiciones: sabe con quién trabajar, sabe cómo mejorar poco a poco y trabaja para acercarse a sus objetivos.

¿Qué planes se vienen en la agenda de El Club Audiovisual?

Tenemos un año ocupadísimo con lanzamientos. Estamos con ganas de tocar en el Interior del país, poder brindar muchos shows, y todo esto mientras terminamos de escribir nuestro próximo álbum. Digamos que es un año muy largo de sembrar para cosechar el año próximo cuando salga el disco que viene.

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Pepamajalu: «Todavía tenemos mucho que contar y gritar al viento»

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La agrupación quilmeña regresa a Capital Federal para celebrar sus 20 años de trayectoria con la promesa de un show deslumbrante, donde además adelantará temas de su próximo disco. 

Pepamajalu es una banda de rock nacional formada durante el 2002 en la ciudad de Quilmes. Sus influencias provienen de bandas del rock nacional de los años ’90s; asimismo sus presentaciones se ven atravesadas por otras vertientes del arte. 

Desde los comienzos mantiene la firme idea de explotar una propuesta distinta y una relación interactiva con el público en cada show. Una puesta en escena curiosa, que incluye la teatralidad, la comicidad y la realización de acciones que generan la espera de una nueva sorpresa para cada presentación. 

Su música está enmarcada en el rock, a la vez que va paseando por distintas variantes como el reggae, funky, rock y blues. Actualmente el proyecto está integrado por: Javier Plazaola en la voz; German Bobadilla en guitarra; Coccaro Javier en bajo; Mauricio San Martin en batería; Matias Arriola en saxo; y Coccaro Alejandro en teclado.  

¿Qué es Pepamajalu y en qué momento se encuentra? 

Pepamajalu nace hace 20 años de un grupo jóvenes amigos con la necesidad de narrar las penurias, aventuras y desventuras de unos locos purretes conurbaneros después de una crisis como la del 2000. Hoy ya no tan purretes, y luciendo unas cuantas canas, nos damos cuenta que todavía tenemos mucho que contar y que gritar al viento. 

 ¿En qué aspectos sienten que maduraron más durante los últimos 3 años? 

Es todo tan reciente que cuesta ser consciente como para reflexionar en qué fuimos madurando. Durante estos últimos y raros 3 años, todos tuvimos que transitar por muchas y mezcladas situaciones y una muy dolorosa perdida. Desde el comienzo de la cuarentena nos pusimos como meta estar como sea para ayudar a bancar la parada y empezamos a incursionar en distintas formas de comunicarnos y acercarnos, tratando de aggiornarnos a lo nuevo. 

Hablando de nuevo, están trabajando en un próximo material ¿Cuál será la búsqueda lírica y sonora? 

Por suerte, después de muchas idas y vueltas, empezamos trabajar en el nuevo material. Algunas de las canciones las vamos a estar presentando en el Roxy el 9 de julio en el marco de los 20 años de la banda.  

La cuarentena y las cosas que pasaron en estos 3 años, nos llevaron a la introspección para volver a reconstruirnos y de esas juntadas salieron estas canciones que tienen un poco de todo como siempre; un mix entre historias y críticas.  

¿De qué manera lo presentarán a sus seguidores?  

La idea es “ir lanzando sencillos” que iremos subiendo a las plataformas y redes sociales. Este formato incluiría el soporte visual de cada canción y, una vez terminado, el paso a seguir seria llevar todo a un formato físico. Más que nada por una cuestión de costumbre, en especial porque “estos vejetes nostálgicos” todavía disfrutamos y gustamos del olorcito de un disco. 

¿Cómo se trasladan las canciones al vivo? 

Después de las juntadas que nos volvieron a encontrar como esos pibes de hace 20 años, con estas nuevas canciones y sonidos, comenzamos a trabajar en estas series de shows conmemorando los 20 años de banda. Mostrando, de esta manera, el inicio y el presente, donde el sonido del pasado y el presente se conectan. 

 ¿Qué nos pueden adelantar de la presentación en The Roxy el 9 de julio? 

Ya solo con la idea de llegar a hacer un Roxy por nuestra cuenta, estamos muy emocionados, ansiosos y excitados. Para una banda de tantos años, completamente independiente es “un gustito” que se nos está dando; y si a eso le sumamos que cae nada más y nada menos que el 9 de Julio, la noche va a ser una fiesta; con músicos invitados y muchas sorpresas, compartiendo la velada con nuestros amigos de Digno Nieto. Va a ser una digna fiesta pepera.  

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La Granjita: «El entusiasmo y la creatividad vienen en oleadas y hay que aprovecharlos»

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El dúo picante y veraniego lanza el segundo sencillo adelanto de su EP conceptual «Costa Atlántica», que será editado hacia mediados de este año bajo el sello Batiendo Records.  

A fines de 2016, dos viejos amigos del circuito del rock, Lucio De Caro (Nikita Nipone) y Maximiliano Iglesias (Mimi Maura), se reencontraron para formar La Granjita. Autoproclamados como los “Daft Punk del subdesarrollo”, se plantearon el simple objetivo de encender las pistas de baile, apoyándose en una producción audiovisual divertida, espontánea y enérgica. 

En el 2017 debutaron con su primer álbum titulado Tándem y enseguida comenzaron a realizar las presentaciones en vivo. Ahora regresan con el lanzamiento de “Vacaciones” y el actual “Control Policial”, los dos primeros singles del EP Costa Atlántica que será publicado durante el 2022. 

¿En qué momento se encuentra La Granjita? 

Lucio de Caro – Estamos activos, terminando de producir los temas de nuestro inminente EP ‘Costa Atlántica’ y con suficiente material ya compuesto y en pre-producción para un próximo disco.  

Atravesamos un momento prolífico, afianzando la identidad sonora y visual, nuestro trademark y la manera de hacer las cosas. Sabemos que tanto el entusiasmo como la creatividad vienen en oleadas y hay que aprovecharlos. Estamos muy satisfechos con los resultados conseguidos en cuanto a la producción, a los videos que hicimos y a lo que artísticamente estamos logrando. Trabajamos muchísimo para estas grabaciones. 

¿Qué representa la costa atlántica para ustedes y cuál fue la musa inspiradora de estas canciones que integran el EP? 

Lucio – Allá por el 2019, movilizados por la idea de editar un disco veraniego, enérgico y divertido, nos encomendamos a componer, producir y grabar seis canciones para un EP conceptual al que luego titularíamos ‘Costa Atlántica’. Nos interesaba la idea de retratar de la manera más honesta y pintoresca posible aquellas vivencias y experiencias de esos miles de argentinos que, verano tras verano, emprenden su prodigiosa travesía hacia las famosas playas argentinas. Los aromas, sus paisajes, sus atracciones, el costado retro, la vida de playa, la vida nocturna y las vacaciones.  

Fue una búsqueda consciente y planificada la de hacer un disco temático. Está bueno a veces tener ciertas pautas y auto-privarse de la libertad absoluta para componer canciones en cualquier dirección. Te da un marco que no necesariamente “limita”, sino “delimita”. Es como el “dibuja cualquier cosa” vs. el “dibuja un hombre bajo la lluvia”. Hay un faro, un eje.  

Teníamos que componer y escribir de determinada manera, respetando cierta forma estética auto-impuesta y adoptar guiños que no podían salirse de libreto. Lo vimos en ese momento como un sano ejercicio, un desafío como compositores en el aprendimos mucho.  

Los temas se llaman, en orden cronológico: “Vacaciones”, “Control Policial”, “Chasco Mousse”, “Mardel”, “Clericot” y “El Regreso”. Es una suerte de “diario de viaje”, una historia muy divertida y congruente. El EP va a salir entero para octubre de este año.  

¿Cuándo consideraron que era propicio trasladarlas al estudio para materializarlas? 

Empezamos escuchando horas y horas de música, encontrando referencias y prestando especial atención a los detalles de producción; a los arreglos presentes, a la elección de sonidos y de instrumentación: ítalo-disco, funk, house, electrónica, dance, Motown, mucha música negra, inicialmente, y algo del synth-wave que ya veníamos escuchando e incorporando desde nuestra anterior producción, tal vez en su versión menos oscura.  

Tenía que ser un disco veraniego, pero queríamos plasmar además en las letras todo ese imaginario estético despampanante de los 80’s; de nuestros veranos atlánticos. Algo así como un “Bruno Mars meets Emilio Disi”.  

Una vez que incorporamos toda esta data y este lenguaje, recién ahí nos sentamos a componer; pensando también en qué tipo de temas se acoplaban a cada momento que queríamos que transite esta travesía inter balnearia musical. Realmente las canciones nos brotaron y las comenzamos a grabar. Está bueno el proceso porque no hacemos demos, directamente nos lanzamos a trabajar sobre las versiones que, con el tiempo, se terminan convirtiendo en definitivas.  

¿Cómo se dio la colaboración de Dana Colley? 

Yo había quedado en contacto con él, a través de un amigo que organizó el show de ‘Vapors of Morphine’ en el ND Ateneo. Ahí lo conocí e intercambiamos números. Muy buena onda el flaco. Tiempo después estábamos produciendo el tema “Control Policial” en mi estudio (Batiendo Records) y teníamos maquetado un arreglo armónico con toda una sección de brasses. En ese momento estaba armado con unos sonidos bastante polémicos, hechos con MIDI y el Kontakt, y sabíamos que íbamos a tener que grabar una sección de brasses reales porque los del plug-in sonaban muy plásticos y aburridos. Dirimiendo sobre quién podría hacerlo, se me ocurrió escribirle a Dana. Fue durante la pandemia, recuerdo. Contestó rápidamente, manifestando que le había encantado la canción y un genuino entusiasmo con la idea de concretarlo. Le enviamos las pistas y el arreglo para que lo grabara por su cuenta. No solo lo devolvió entero, mejorando las voces de la armonía y grabando todas de manera PERFECTA (un saxo barítono, un tenor, un alto y hasta una trompeta), sino que ensayó una épica improvisación sobre la coda final de la canción que quedó estupenda y realmente benefició a la canción. Si, bendita Internet. Para mí es el mejor saxofonista que existe. Es un extraterrestre, y además tiene una manera muy particular y distintiva de tocar. 

También participa Mela Lenoir en coros y fue masterizada por Matías Parisi.  

¿Qué mejoras técnicas buscaron ejecutar para superar Tándem? 

‘Tándem’ fue nuestro primer disco y, dentro de todo, su grabación fue un proceso relativamente corto; comparado con otras producciones que realicé a lo largo de mi vida con Nikita Nipone, o inclusive esta última de “Costa Atlántica”.  

En 2016 nos juntamos por primera vez y ya para fines del 2017 teníamos todos los temas grabados, mezclados y terminados. Fue un proceso muy distinto a este último disco porque nada fue premeditado, ni previamente consensuado; simplemente nos lanzamos a componer canciones para un proyecto que recién estaba comenzando y al que había que agregarle contenido desde la nada misma.  

Creo que ese álbum tiene momentos realmente muy buenos y fue una suerte de “exploración de campo” para ver qué cosas funcionaban mejor, cuáles nos salían naturalmente y qué ideas iban más a contracorriente.  

En ‘Costa Atlántica’ aprendimos a simplificar, producir y a interpretar mejor. Ya con más experiencia y tiempo a espaldas, se va gestando una sinergia propia y un lenguaje. Se hace mucho más fácil el proceso de plasmarlo en una grabación de manera que funcione también para traducirlo al vivo.  

¿De qué manera acompaña la intención del videoclip «Control Policial»? 

El video fue realizado y editado por un viejo y gran amigo: Alejandro Grimoldi, que se da mucha maña para resolver este tipo de asuntos de extrema audacia. Teníamos la idea inicial con Maxi de plasmar en imágenes esa experiencia del “control policial rutero”: los artilugios y vericuetos criollos para zafar; los quilombos del tráfico en la ruta; la negligencia en la conducción y el desparpajo de algunos policías. Todas esas situaciones vividas cuando estamos en camino. Como la idea era realizar un video de archivo y, había que recopilar mucho material, nos pareció lógico incluir escenas donde estuviésemos haciendo playback. Incluirnos como los reos, con ese fondo blanco y las marcas de medición de altura que se usan para identificar a los sospechosos que vemos en las películas policiales.  

Filmamos esas escenas y se las enviamos a Alejandro Grimoldi para compilar todo de una manera muy fluida, rítmica y simpática. El resultado terminó siendo un video muy entretenido a la vista que, en mi opinión, enaltece a la canción.  

¿Cuáles son los objetivos para este año?  

Editar ‘Costa Atlántica’ es el objetivo primordial. Tenemos estos temas en el tintero desde hace bastante tiempo y la pandemia interrumpió un ritmo muy prolífico de laburo que veníamos manteniendo. Luego vendrán fechas, una presentación ‘oficial’ e intentaremos acompañar el disco con una gira veraniega. Por el momento, estamos muy enfocados en el trabajo de estudio, que nos encanta. Queremos cerrar esta etapa de dos complejos años de la mejor manera posible y dentro de nuestros exigentes parámetros musicales.

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