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Entrevistas

Ovnis: «Nuestro sonido es bien de esta época»

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Ovnis. Foto; Yasmin Quintanilla

El conjunto pop presenta su nuevo disco “Alien o alguien”, que plantea la búsqueda de una identidad tanto en lo social como en lo musical.

El concepto del disco parte de las canciones ‘Alguien’ y ‘Alien’, que se complementan y oponen a la vez. Además, en otros temas como ‘Alunista’ está la idea de sentirse como un alien viviendo entre la gente, que es una temática que viene dando vueltas en las letras de Ovnis desde nuestro ep ‘No somos de acá’ –remarca la voz cantante Diego Valente-. La idea que nos interesó tratar es la oposición entre ser alguien, es decir, lo que la sociedad, las instituciones, el sistema espera de vos; o ser alien: hacer lo que te gusta ya sea en el campo artístico o en el que te sientas feliz sin importar lo que el resto espere y opine de vos. Animarse a vivir sin red aun cuando eso tiene un costo”. 

¿Cómo fue la producción del álbum?

El disco se compuso durante la pandemia que fue una experiencia desesperante, dura y movilizante y tal vez eso influyó en lo crudo del mensaje de alguna de las canciones. Es un LP con letras sin filtro y que bajan bastante línea en ese sentido.

Puerto Madero, Ruta 40, Avellaneda, Valeria del Mar y Santa Clara del Mar forman parte de la lista de temas del álbum, ¿cómo se conectan todos esos puntos geográficos nacionales en el universo musical de Ovnis?

Es curioso, pero en algún momento nos dimos cuenta que teníamos muchas canciones que mencionaban lugares. Ahí te diría que a nivel lírico hay mucha influencia del pop británico de artistas como Damon Albarn, Jarvis Cocker o Morrissey, que suelen nombrar muchos lugares de Inglaterra en sus letras. Acá sería algo así, pero con sitios de Argentina. De cualquier forma, está claro que las ciudades o los lugares son como un marco de referencia o una excusa para hablar de otra cosa: una historia romántica en “Valeria del Mar” y “(Por) La Ruta 40”, crítica irónica al caretaje de los nuevos ricos argentinos de “(En) Puerto Madero” o la desesperación ante la frustración cuando todo te sale mal de “Avellaneda Centro”. Y todas esas letras con referencias a lugares están basadas en hechos reales.

¿En qué cosas sienten que evolucionaron desde aquel EP “No somos de acá” de 2019 hasta este nuevo larga duración?

Personalmente, no creo que la música o el arte en general evolucionen, pero sí te podría decir que desde que arrancamos nos afianzamos más como grupo. “No somos de acá” fue más bien un experimento de estudio en el que usábamos bases electrónicas. Ahora estamos volcados a un sonido más orgánico. Recientemente se incorporó Juampi Pugni, que es percusionista y participó en tres temas del disco, y eso nos ayudó a lograr que el grupo suene más natural ya que estamos fusionando su percusión con bases y baterías electrónicas que manejan entre Pablo Moreno (bajista) y Alejandro Pacin (guitarrista) y que en vivo enriquece mucho a la paleta de colores de la banda. Me parece que el grupo logró una identidad propia, pero no queremos estancarnos en eso, sino que sea un punto de partida para seguir jugando con los sonidos y descubrir nuevos horizontes para nuestras canciones.

Por el estilo musical y por las letras, ¿la búsqueda sonora de Ovnis está marcada e influenciada por el pop ochentoso?

El pop de los ochenta es una referencia desde luego: bandas como Virus, Soda Stereo, Depeche Mode o The Cure, de quienes hicimos el cover de “Lovesong” en castellano, por supuesto que nos marcaron. Sin embargo, creemos que nuestro sonido es bien de esta época. Nos gustan muchos artistas contemporáneos como Adicta, Peces Raros, Gorillaz o Billie Eilish. Eso en cuanto a lo musical. Respecto a las letras, están cada vez más descarnadas. De hecho, el otro día un amigo me decía que la letra de “Alien” está más cerca del Indio Solari que de músicos más asociados al pop con el que se puede emparentar nuestro sonido mucho más que con Los Redondos. Y creo que tiene razón.

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Javier Montalto: «Aprendí cómo se maneja la música independiente como industria»

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El cantante y compositor mendocino presenta su nuevo disco introspectivo “10 minutos frente al espejo”, que cuenta con la participación de Hilda Lizarazu y Lula Bertoldi.

Muchas veces termino describiendo sensaciones, sentimientos, lo que uno lleva dentro –explica Javier Montalto sobre su nuevo material-. De hecho, ‘10 minutos frente al espejo’ hace alusión a un método que usaban algunos pintores hace cientos de años, que consistía en mirarse fijamente frente al espejo por más de diez minutos, para comenzar a ver a sus propios fantasmas, sus otras realidades. Parece que el cerebro comienza a generar cosas por aburrirse de ver siempre lo mismo, y comenzás a distorsionar las cosas que ves. De pronto vos no sos vos, el del espejo es otro o ves otras cosas en la misma habitación, gente ahí con vos, cosas que se mueven. En fin, otras muchas realidades que componen a una sola persona”. 

¿En qué se diferencia “10 minutos frente al espejo” con “El hombre elefante” (2017)?

Principalmente, en la madurez como productor. Artísticamente sigue el camino lógico de composición que, incluso, es guiado por mi yo productor. “10 minutos” tiene un tema que se llama “El fuego”. Lo compuse una semana antes de enviar el disco a mezclar, y fue una idea de producción decir a este álbum le falta una canción que enlace con el disco anterior, y ahora me parece una de las mejores canciones del álbum compositivamente, simple y directa. Desde la producción hubo que hacer poco porque ya estaba casi todo planteado.

¿Qué cosas pasaron en vos en estos cinco años entre cada disco?

Muchas cosas. Cinco años es mucho tiempo. Conocí gente increíble, gente que escuchaba cuando era adolescente. Me tocó trabajar con gente de la que soy fan. Conocí ciudades y provincias que no conocía, estudios de grabación. Aprendí cómo se maneja la música independiente como industria. Fueron años lindos y un par de años pandémicos muy extraños de los cuales también tengo más buenos recuerdos que feos, por suerte.

En una entrevista que te hice en 2020 por el lanzamiento de “Sobrenatural” decías que el disco iba a salir en septiembre u octubre de ese año, ¿qué fue lo que lo retrasó tanto? ¿Culpa de la pandemia o fueron otros factores? 

Salió la oportunidad de que Hilda Lizarazu participe en otra de las canciones del disco, y quise darle la importancia que merecía la publicación de esa canción. Por eso las dos canciones que cuentan con featuring salieron como singles cada una en su tiempo. Luego, me tomé el tiempo para componer nuevas canciones y sacar otras que estaban en la vieja lista. Recompuse muchas cosas en el aislamiento de la pandemia y terminó saliendo en abril de 2022 (Risas).

¿Qué planes vienen por delante ahora con el disco ya lanzado?

Además de tocar el álbum en vivo, es difundirlo lo más que pueda, y confiar en las canciones del mismo. Llega un punto que el disco sale y se mueve por lugares insospechados, y eso es hermoso porque por más que planees, el rumbo se termina marcando día a día. Por lo menos así me pasa a mí, sobre todo viviendo acá en Buenos Aires.

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Trueno: «Soy un vocero de la nueva generación»

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Foto: Sebastián Arpesella

Con el flamante estreno de su segundo disco, «Bien o mal», el rapero argentino Trueno transita la dualidad entre esos estados que marcan el pulso de su nueva obra y eleva la voz y el tono como “vocero de una nueva generación” que se «organiza y lucha». La entrevista de Javier Berro, para la Agencia Télam.

Con el flamante estreno de su segundo disco, «Bien o mal», el rapero argentino Trueno transita la dualidad entre esos estados que marcan el pulso de su nueva obra y eleva la voz y el tono como “vocero de una nueva generación” que se «organiza y lucha» .

Con los pies plantados en el barrio de La Boca pero con los ojos mirando el paisaje latinoamericano, Mateo Palacios Corazzina, este rapero de 20 años que saltó de las competencias de Freestyle en las plazas porteñas a los escenarios y las grabaciones desde su primer disco llamado “Atrevido”, continúa con el legado cultural de un barrio “dulce pero asesino, de artistas y malandrinos” donde “nació un Trueno, entre flores y lluvias de veneno” como declama su padre Pedro Peligro en “Hoop Hoop”, la canción que inaugura el repertorio.

En una charla con Télam, el protagonista habló sobre esta nueva etapa musical que abre “Bien o mal», donde hay algunas colaboraciones ya conocidas por el público como las de Duki (“Panamá»), Bizarrap & Randy (“Jungle”) y otras inéditas hasta hoy como las que concretó con Nathy Peluso en “Argentyina”, con Victor Heredia en “Tierra Zanta”, y dos más que serán reveladas en los próximos meses con colaboradores que confirmarán “el paso de la música argentina en el mundo”.

Trueno
Trueno. Foto: Sebastián Arpesella

“El anterior tenía un sonido súper digital y sucio, un sonido de barrio, con un micrófono trucho. Yo creo que fue la consolidación de mi identidad. En las batallas ya sabían que yo era el hijo de Pedro, que estaba en La Boca y que me había criado con Comuna 4. Si querés saber quién soy alcanza con escuchar ‘Atrevido’ porque están ahí las respuestas sobre quién soy, qué pienso, de dónde vengo y cómo me crié”, sostuvo.

Para Trueno, este nuevo disco representa “el paso siguiente” después de un tiempo donde todavía alternaba entre las batallas y los escenarios: “Ya no soy el freestyler, el que batallaba, el competidor. Soy un músico argentino y un vocero de la nueva generación”, añadió el ex campeón nacional de Red Bull Batalla y FMS Argentina, hoy consolidado como una artista del hip-hop local capaz de mezclarse también con otros géneros urbanos como el trap o el reggaetón, aunque sin perder la lealtad por una cultura que prometió enarbolar hasta el último día.

“La dualidad del disco surgió cuando llegamos a la mitad de la grabación, porque había salido así el mensaje, con temas que van tanto para uno como para el otro concepto. Empieza del lado del mal, con la necesidad de gritar, hacer ruido y tratar de generar un cambio mediante la lucha y junto con toda la gente que tenemos atrás que es la juventud de nuestro país. Y con ellos también llegamos hasta la celebración. Se trata de protestar y luchar, y después festejar que lo logramos”, agregó.

-¿Qué paradigmas estás buscando romper ahora con esta nueva obra, que trae canciones como “Fuck el policía» que traen un guiño al clásico de N.W.A.?

-La música es nuestro medio de expresión, nuestro medio de protesta y a la vez de diversión. Es nuestro medio de comunicación en esta sociedad para decir lo que queremos y de la manera que queremos. Y así lo vamos a seguir haciendo, le guste a quien le guste, porque hay muchas realidades e injusticias por las que sufrimos, lloramos, festejamos, gritamos y saltamos.

-¿Cuándo empezaste a sentir que ocupabas el rol de “vocero” dentro de tu barrio?

-Me di cuenta del peso que tiene el mensaje que estamos dando, lo que estamos diciendo y todo lo que conlleva nuestro arte después de sacar el primer disco “Atrevido”, y después de que La Boca nos haga reverencia, nos diga gracias por esto, gracias por lo otro, por nombrar a los pibes y por el tema “Azul y Oro”. Fue ahí que nos empezamos a dar cuenta que lo que a mí me pasaba también le estaba pasando a un montón de otras personas, y que mi música también podía ser un medio para que aquellos que sienten y viven lo mismo puedan expresarse. Y no solo las del barrio de La Boca, que es desde donde hablo, donde me críe y nutrí, el barrio donde nací. El mundo está lleno de barrios con gente que se identifica a su manera con lo que contamos. Este nuevo disco toma esa noción del mensaje que estamos dando, ya no solamente sobre el barrio de La Boca sino desde Argentina hacia Latinoamérica y el resto del mundo, sin fronteras, ni comunas, ni nada. Porque primero somos latinoamericanos y después somos de esta parte del sur de Latinoamérica que es Argentina.

-Las canciones de “Bien o mal” tienen mucha potencia y crudeza. ¿Era importante para vos dejar un registro de esta voz generacional para la posteridad?

-Exactamente. Y decir «si yo pienso esto, ¿por qué no lo voy a decir?». Voy a tener gente conmigo, gente que no esté conmigo, voy a tener problemas y consecuencias, ¿pero si no a qué vinimos? ¿A cumplir las reglas como quieren que hagamos? No, nosotros somos las reglas, nosotros decidimos qué decir, cuándo decirlo y por qué decirlo.

Trueno
Trueno. Foto: Sebastián Arpesella

¿Esperás algún ataque por reivindicar la figura de Santiago Maldonado, las consignas de Memoria, Verdad y Justicia y condenar la represión policial?

-Son mis enemigos favoritos, porque es justamente la gente que no quiero que sean mis amigos. Así que estamos contentos. Y es buenísimo que haya un tema como “Tierra Zanta» que habla de la dictadura que no vamos a permitir que pase nunca más. Por más que la policía nos quiera agarrar, desaparecer o secuestrar que hagan lo que quieran, la música habla por nosotros. Además, canta Víctor Heredia, que es una persona que sufrió la dictadura a flor de piel. Es un verdadero vocero de una generación que sufrió mucho más que la mía. Gracias a personas como él, a Mercedes Sosa, al rock y el folclore argentino, hoy sentimos una seguridad para decir lo que queremos. Si ellos se hubieran callado, habría ganado lo gubernamental y lo militar con el silencio y el poder. Pero hoy el poder lo tenemos nosotros en la música, que es una vibración del mundo, que sin ella sería una depresión. La gente habla, protesta, escupe y gana mediante la música. Y no nos pueden hacer nada, porque libertad de expresión va a haber siempre.

-Entre las colaboraciones que se revelan con la salida del álbum está la que hiciste con Nathy Peluso (“Argentina”) con dos perspectivas muy distintas sobre la identidad argentina.

-Creo que fue la única canción que hice a la distancia. La hicimos con Fede Vindver, un productor argentino que vive en Estados Unidos, un ‘king’ de la producción musical que trabajó con Kanye West y Dr. Dre. La hicimos para conectar con lo anglo y con los argentinos que están afuera. Siento que Nathy le dio otro color a la canción en base a lo que le pasaba a ella con el país por haber tenido que emigrar durante la crisis del 2001. Le dije que era su espacio y que hiciera lo que quisiera. Escribió sus partes y me mandó un montón de cosas. Le aportó dulzura y nostalgia, porque vive en España y viene cada tanto, mientras que yo apelé a mi lado más contestatario por vivir acá, poniéndole el pecho y caminando la calle todos los días.

-Es un disco donde tu familia estuvo muy presente y es justamente tu papá Pedro Peligro quien abre el álbum como la voz invitada de “Hoop Hoop”, donde te llena de elogios.

-También está mi madre que aportó algunos coros como en “Tierra Zanta» y que fue súper importante, al igual que mi tía que toca el bajo. Todavía me quedan más familiares para meter en los próximos discos, pero en este disco tenía que estar Pedro, que es parte de todos mis shows al igual que yo lo era en los suyos. Le dije que hiciera una letra para el disco y agarró esta que grabé en la cuarentena con un estudio que armamos con lo que pudimos. Él es mi «coach», fue mi entrenador durante toda la vida, me enseñó muchas de las cosas que yo sé. Antes tocábamos juntos para 15 personas y ahora tocamos para 50.000, y seguimos estando juntos en el escenario. El mensaje que yo llevo tiene mucha influencia de Comuna 4, que cantaba contra Mauricio Macri en el 2006 cuando era el presidente de Boca Juniors. Era un mensaje muy consciente, que salía de la protesta, pero sin mandar a la mierda a nadie. Solamente estábamos hablando de lo que nos pasaba.

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Johnny P: «Deconstruimos los temas para que se correspondan con esa experiencia de contacto cercano»

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El proyecto llega a La Trastienda este sábado 14 para ponerle música, color y sorpresas a la noche porteña.

JOHNNY P debuta en 2013 como una banda de covers con un repertorio de versiones diversas y más cortas que sus originales. A finales del 2014 Ale Estayno conoce a los integrantes de la banda Turf, Fernando Caloia y Nicolás Ottavianelli, con quienes experimenta una sinergia instantánea y produce artísticamente los temas y canciones propias de la banda. 

En 2015 comienzan las grabaciones de los EP «Cool» y «Dior». No obstante, aparece una interferencia vintage que choca con la modernidad pretendida y no resultan editados.  

Durante el 2018 publican el álbum «Balazo de rouge», destacado por fusionar el pop latino con la música disco, el funky, rock y el dance. A su vez, dan rienda suelta a la producción de «No te vayas a dormir»: una obra de tintes electropop, melodías bailables y pegadizas que son masterizadas en agosto de 2020. 

Mediante una charla con Musica.com.ar, el líder del proyecto explora su actualidad y cuenta los detalles del próximo concierto en La Trastienda. 

¿Cómo se encuentra JOHNNY P post pandemia y con mayores oportunidades musicales? 

Ale Estayno: Nos encontramos muy bien y estamos arrancando con todo. Aprovechamos la horrible pandemia para hacer temas nuevos, letras y laburar sobre la estética de la banda. Ahora estamos preparados y con muchísimas ganas de hacer shows en vivo.  

Si hay algo que destaca a JOHNNY P que es los conciertos no son una reproducción de los discos. Más bien, deconstruimos los temas para que se correspondan con esa experiencia de contacto cercano con el público. Estamos entusiasmados y haciendo un trabajo bastante intenso. 

Somos una banda bastante visual y ecléctica, no de género. La definición conceptual es que JOHNNY P es como una especie de contenedor de avatares. Cada tema se interpreta con uno nuevo y tiene una personalidad propia. Puede estar vinculado a la ilusión o al enojo, por poner un ejemplo. Depende lo que se quiera transmitir o lo que nos salga.  

Entre los discos mencionados está «No te vayas a dormir». En tu caso, ¿qué disfrutás más de la noche? 

La noche en sí es fabulosa, disfruto del silencio, la soledad y la tranquilidad. Aunque en realidad es un momento de hiperactividad personal. El contacto de una poesía leída a las 3 de la tarde o a la 1 de la mañana es totalmente distinto. La experiencia íntima es diferente.  

¿Resulta un momento de inspiración para componer?  

Las ideas se me ocurren en cualquier momento del día, pero cuando llega la noche, y las obligaciones son menores, está bueno para retomarlas y definir cómo seguir a los fines de implementarlas.  

Mencionaste que estaban trabajando en nuevas canciones. ¿Para qué lado se perfilan y cuándo estarían disponibles? 

Hay muchas ideas, pero normalmente están resignificadas en tiempos actuales y pueden disparar para cualquier lado. Por ejemplo, tengo una base de cumbia que es muy simple y me fascina para un tema. No obstante, es para que una voz femenina lo cante al doble de tiempo y le conteste una especie de hip hop con un contexto de instrumentos japoneses. Vos decís: “Es una locura”. Bueno, eso es lo que está saliendo y está buenísimo.  

Una vez que la idea general queda cerrada, llamo a los artistas para que la implementen. Aunque también estamos abiertos a los aportes. En el disco anterior hay un tema que se llama “Genio Superstar” y se planteó para que lo cantara Joaquín Vitola de Indios. A él se le ocurrieron algunas partecitas de coros y resultaron buenísimas.  

La fecha en La Trastienda es este sábado, así que a partir del 17 de mayo nos reuniremos a producir el nuevo disco y lo iremos lanzando de a temas.  

¿Cómo cranean este show que se viene? 

Tenemos mucho material para mostrar, que es nuevo para el público en el formato vivo.  

Pienso que quién está arriba del escenario transmitiendo un producto artístico, tiene que ayudar a reflejar el alma de la gente con alguna imagen nueva o que le despierte un nuevo pensamiento. Cada persona del público completa la obra y nosotros no la conocemos. Es fascinante ese proceso porque guarda un misterio para quien cree ser el autor o compositor de los temas.  

Intentamos que nuestras fechas sean participativas y los mensajes son concretos. Creemos que lo que se van a encontrar en La Trastienda es con algo muy visual, poderoso sonoramente y con temas contundentes, que no dejan dudas. Queremos que la gente participe, desde el baile o cantando una canción, porque JOHNNY P es una fiesta. 

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